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Fernando Gil |  Descargar PDF
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| Spamalot | |||
| Noviembre 2009 | |||
• Háblenos de su personaje, Sir Lancelot.
Dentro de la loca compañía de los Caballeros de la Mesa Cuadrada es una especie de Obelix sin obesidad. Es un psicópata asesino que golpea y luego pregunta. Es muy valiente, alguien a quien siempre querrías tener de tu lado en las batallas.
• Interpreta a varios personajes más: un francés, el hechicero Pijus Magnificus….
Como yo vengo de trabajar con la compañía Yllana estoy muy acostumbrado a interpretar a varios personajes en una función. Una vez que tengo el armazón hecho me pongo a ello directamente, sin pensar demasiado. ¡Y eso que sólo tengo medio minuto para pasar de ser Sir Lancelot a ser un francés!
• Ya realizó “Los mejores Sketches de Monty Python”, ¿qué momentos añade este musical?
El humor sigue siendo el mismo, la comedia pasa por todos los tipos de registros: negra, verde, rosa... Pero verán un tipo de función distinta. A diferencia de este musical, en el montaje de Yllana se trataba de sketches independientes.
• Su personaje hace un descubrimiento en la función...
Es un muy buen golpe de efecto humorístico de lo que se espera de este personaje en la función. Parece el más macho de todos pero...
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Manuel Bandera | Descargar PDF
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| Chicago | |||
| Noviembre 2009 | |||
• Si le digo “Chicago”...
Decir “Chicago” es decir Bob Fosse, que en el mundo del musical es el mejor. Es un musical que no te puedes perder.
• ¿Qué destacaría de él?
La partitura. Forma parte de la historia de tal manera que es un personaje más. Eso obliga a una coordinación perfecta entre los bailarines y los actores, el director musical y los músicos.
• ¿Cómo se enfrenta a este reto? ¿Miedo escénico o de eso ya no? Porque el éxito a veces impone...
Me enfrento con mucha ilusión y muchas ganas. Miedo escénico siempre hay, pero se atenúa bastante trabajando duro y con este equipo fantástico. El éxito que precede a “Chicago” impone, pero este grupo de profesionales estará a la altura.
• Háblenos de su personaje, Billy Flynn.
Es un abogado sin escrúpulos que consigue manejar los hilos de los medios de comunicación, del jurado y del público, de tal manera que el juicio se convierte en un show en el que él es la estrella y sus defendidos se benefician resultando inocentes.
• Ya trabajó en “El Zorro” y “Cabaret”. Supongo que la experiencia ayuda...
Siempre ayuda, pero también la responsabilidad es mayor.
• Ganador de “Mira quién baila”, en teatro “Trampa para pájaros”, en televisión es Ramón Rivas y ahora estrena “Chicago”. ¿Está en su mejor momento?
Eso es difícil de saber, yo sólo pienso en aprovechar al máximo las oportunidades que me llegan.
• Este año se cumple el veinte aniversario de “Las cosas del querer”, de Jaime Chávarri. ¿Qué significó para usted?
Sin “Las cosas del querer” no estaríamos haciendo esta entrevista, para mí significa todo.
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Natalia Millán | Descargar PDF
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| Chicago | |||
| Noviembre 2009 | |||
• ¿Cómo definiría este musical?
Es una obra valiente, mordaz, sincera, divertida, cruel. No es amable, no tiene colorines, es oscura y brillante. Sensual. Tremendamente divertida. Puro Bob Fosse.
• Inició su carrera en el teatro musical (“My fair lady”, “Mata Hari”, “Cabaret”, entre otros). Casualidades, el comienzo de esta pasión tuvo que ver con Bob Fosse. Supongo que protagonizar “Chicago” es especial...
Es el sueño de una adolescente que se hace realidad ahora en la madurez. Un círculo mágico que se cierra y da sentido a muchas cosas. Gracias, Vida.
• Además, repite con Manuel Bandera. ¿Cómo ha sido el reencuentro?
Por Manuel siento cariño, respeto, admiración, confianza… Salir al escenario con él es como saltar con red: nada malo puede pasar. Me siento realmente cómoda. Espero que él también...
• Interpreta a Velma Kelly. ¿Cómo es su personaje?
Es una asesina con vestidos de lentejuelas y el glamour de un payaso que habita una cárcel oscura en una sociedad absurda. Perversamente ingenua, ingenuamente perversa.
• Canta, baila y actúa. ¿Se puede romper con el tópico de “aprendiz de mucho, maestro de nada”?
Te doy otro objetivo: aprendiz de mucho, maestro de todo. ¿Dentro de veinte años quizás?
• Es Elsa en “El internado”, la hemos visto sobre las tablas con “El mercader de Venecia”... ¿Qué prefiere?
Con ilusión se compagina. Pero prefiero el escenario siempre.
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José Carlos Plaza | Descargar PDF
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| Bodas de sangre | |||
| Noviembre 2009 | |||
Recientemente galardonado con el Gran Premio Corral de Comedias del Festival de Teatro Clásico de Almagro, el director y tres veces Premio Nacional de Teatro José Carlos Plaza nos presenta su particular versión de “Bodas de Sangre”.
• ¿Cómo es este “Bodas de Sangre” de José Carlos Plaza?
Es un “Bodas de Sangre” un poco preflamenco. Estoy intentando llevarlo al origen de la tragedia, a un pueblo muy primitivo, muy puro, donde los sentimientos y las costumbres son casi primarios, y usando mucho la imposibilidad de la tragedia en los tiempos actuales para diferenciarlo de un drama rural que no quiero hacer.
• ¿Qué destacaría de esta historia?
Lo más interesante, aparte del lenguaje de Lorca y los personajes que crea, es que escribe una tragedia sobre el fatalismo, donde los personajes son arrollados por sus pasiones. No existe razón, existe pasión, una fuerza interior que les maneja. Es la tragedia griega y mete personajes dificilísimos como la luna, los leñadores y la mendiga, que son personajes míticos, los dioses que mueven la tragedia. Es la gran tragedia del siglo XX y del siglo XXI.
• La mujer es el hilo conductor de la tragedia. ¿Cuál es su papel respecto al hombre?
Él utiliza a la mujer como la Madre Tierra, su sangre genera vida y la sangre es derramada y vuelve a crear vida. Es el motor de la vida y el varón siempre es la víctima en el sentido ritual, la víctima que muere, el sacrificado en aras de que esa sangre continúe..
• Habla de la mujer como Madre Tierra. Es una obra ésta con muchos símbolos...
Muchísimos. Yo he intentado que esos símbolos entren orgánica y fluidamente en la función y no explicarlos nunca.
• ¿Nos quedan aún cosas por descubrir del teatro de Lorca?
Muchísimas, muchísimas, muchísimas. Desde los principios de Lorca, que está sin tocar, “El maleficio de la mariposa” y muchas otras, hasta su teatro no representado. Hay mucho teatro y piezas cortas maravillosas. Lorca es infinito.
• Dirigió el Centro Dramático Nacional entre 1989 y 1994. ¿Cómo se ve desde fuera la labor que se está realizando ahora mismo y el panorama teatral español?
El teatro afortunadamente está en crisis siempre y espero que siga así. Creo que en estos momentos los Centros Dramáticos están cumpliendo una misión. La Compañía de Teatro Clásico está sacando títulos que no conocíamos y al mismo tiempo algunos otros que conocemos. También el Centro Dramático Nacional en las dos salas trae constantemente textos muy conocidos o textos no conocidos. Me parece que el teatro está viviendo un momento realmente extraordinario, las compañías privadas están muy valientes y las salas alternativas están luchando por experimentar. Estoy muy contento.
• Ha trabajado en Francia, Italia, Argentina y Alemania. ¿Cuál diría que es la gran baza de nuestro teatro a la hora de competir en el exterior?
Nos falta técnica, pero tenemos mucho más talento. El otro día estaba viendo la obra de Tim Robbins, tan famoso y tan admirado y realmente tan extraordinario hombre, y la función a nosotros no nos decía nada, es un teatro casi para aficionados.
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Esteve Ferrer | Descargar PDF
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| Toc Toc | |||
| Noviembre 2009 | |||
Lleva toda su vida dedicado al mundo de las artes escénicas, ya sea como director, productor o actor. Desde hace dos meses dirige e interpreta “Toc Toc”, la exitosa obra de Laurent Baffie sobre seis personajes con trastornos obsesivo compulsivos que se conocen en la sala de la consulta de su médico. Hablamos con él sobre teatro, manías y psiquiatras.
• ¿Qué es lo que pasa en “Toc Toc”?
No ocurre nada y ocurren muchas cosas al mismo tiempo. Se trata de una comedia de personajes donde el conflicto es el motor de todo. Es muy agradecido hacer que el público se lo pase bien con tu personaje más que con la situación en sí. Me interesó mucho lo novedoso del tema: más de diez mil millones de personas sufren un TOC, ¡es una barbaridad!
• ¿Han tenido que realizar muchas adaptaciones respecto al original francés?
Se ha hecho un trabajo con J. Quintanilla para que la función tenga esa idiosincrasia española pero que no perdiera en ningún momento el aroma francés. Los personajes están universalizados ya que hemos quitado los localismos y los tópicos franceses y podrían funcionar en cualquier parte del mundo. En referencia al léxico, lo hemos cotidianizado. Los personajes hablan como nosotros, desde la cercanía pero sin caer en vulgarismos.
• Usted mismo interpreta un personaje, Camilo, ¿cómo ha llevado el ser director y actor al mismo tiempo?
Como dice la canción: “¿Cómo se puede querer a dos mujeres a la vez?” (risas). He separado mucho mi trabajo de director con el de actor. Primero lo viví casi como espectador desde mi faceta de director y luego me integré en el reparto como actor.
• ¿Qué tipo de humor encontramos en “Toc Toc”?
Los personajes de esta función luchan por salir de su situación y aunque lo pasan muy mal le ponen mucho sentido del humor. Es un humor universal, del día a día. A partir de la realidad se hace humor. No se parodia nada sino que se recoge un problema de la realidad y se saca a la luz a través de un conflicto que hace que la situación nos resulte hilarante.
• El psiquiatra nunca acude a la clínica donde están los pacientes, ¿se trata de una crítica a dicha profesión?
Para nada. Que el psiquiatra no aparezca es solamente una de las coas que acontecen en la función. El psiquiatra no está pero sí que está de algún modo, ya que los seis personajes han dado el paso de ir a su consulta para solucionar su problema y al asumirlo ya han empezado a curarse. Hablar continuamente, limpiar todo compulsivamente, no pisar nunca las rayas… Para ellos esos TOCs puede que no sean muy graves, pero para los que están a su alrededor pueden ser un martirio.
• ¿Algún TOC propio?
Desgraciadamente yo pensaba que no tenía ninguno pero al hacer la función me fijé en mi comportamiento y descubrí que no sólo tengo uno, sino más bien muchos. Por ejemplo, no puedo dormir si no es en el lado izquierdo de la cama. Si intento dormir en el otro lado me paso la noche en vela… Pero ahora tengo la suerte de que me aceptan en el lado izquierdo, así que no tengo problemas (risas).
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Nancho Novo | Descargar PDF
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| El cavernícola | |||
| Noviembre 2009 | |||
Monologuista, escritor, músico, compositor y cantante siempre castigado sin postre, payaso, medio-médico, director, pero, ante todo, actor. Agarrado a una lanza, el coruñés Nancho Novo vuelve a Madrid para representar por segunda vez este monólogo de Rob Becker sobre la pareja que ya ha sido un éxito alrededor del mundo.
• ¿De qué va “El Cavernícola”?
Es un monólogo de humor, de mucho humor y mucho amor. Es un espectáculo en el que se hace un estudio antropológico-cómico de cómo éramos los seres humanos en la época de las cavernas, de cuáles eran nuestros comportamientos y cómo han trascendido a nuestros días. Es la madre de todos los monólogos que se han escrito sobre la pareja en los últimos veinte años.
• ¿Vamos a aprender cómo hacer para que funcione una pareja?
Si estás receptivo como espectador, seguro que sí. Yo he sacado muchas cosas que me han sido muy útiles para mi vida. Es una obra que va contra la guerra de los sexos, que busca el acercamiento de los sexos. Aparte de que es un espectáculo del que la gente sale con dolor de costillas de reírse, tiene su pequeña dosis de consejos prácticos y un mensaje muy conciliador de “entendámonos y querámonos“.
• Entre 2002 y 2005 ya fue un cavernícola. ¿Le pedía la gente volver?
Nadie me ha dicho “¡vuelve, vuelve!” (risas), pero cuando terminamos en aquella época, me quedé con la sensación de que a “El cavernícola” le quedaba todavía otra vuelta a Madrid y un montón de plazas por España. Quería rematar una faena que para mí fue un coitus interruptus.
• ¿Dónde radica su éxito?
Tiene tres pilares fundamentales. El primero, que es muy gracioso. El segundo, que tiene un mensaje. Te aseguro que las parejas salen abrazadas y queriéndose más que cuando entraron al teatro -no sé lo que les durará luego (risas)-. Y, tercero, en España, que lo hago yo, que soy un actor de puta madre y un tipo muy gracioso (risas).
• ¿Qué es más importante un buen guión o un buen actor?
Tiene que haber un fifty-fifty actor y palabra y, si consigues eso, el público pone todo lo demás.
• ¿Qué papel juega el público?
En la adaptación que yo he hecho, el público interacciona conmigo muchísimo. Planteo situaciones y no acabo las frases y me las acaba el público. Hay veces que tengo alguna pequeña discrepancia con alguna señora que opina que no hago bien las tareas del hogar.
• Abandonó Medicina en cuarto curso. ¿Le han reprochado que podía ser “un hombre de provecho”?
He sido un hombre de provecho al dejar la carrera. De hecho, mi gran aportación a la salud de la humanidad fue dejarla. Con eso creo que he salvado muchas vidas (risas).
• Y, por primera vez, dirige un corto: “Ellos tienen que jugar”...
Me he dado cuenta de lo cómoda que es la vida de actor, porque la de director es muy estresante (risas). Ha sido muy duro, muy arduo, pero también muy divertido y ahora vamos a la Seminci, al festival de Valladolid, y estoy muy contento.
• ¿Algún proyecto entre manos?
Estoy empezando a ensayar como director una obra que escribí hace un par de años. Se llama “Sombra de perro” y a finales de noviembre estrenamos en el Teatro Infanta Isabel con José Coronado a la cabeza.
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Claudio Tolcachir | Descargar PDF
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| Tercer cuerpo | |||
| Noviembre 2009 | |||
Con sólo 34 años, ya lleva cerca de 20 dedicado al teatro en cuerpo y alma. Fundador y profestor del famoso grupo Timbre 4, tiene experiencia en actuación, dirección, escenografía, canto y acrobacia. Un hombre formado en los circuitos alternativos bonaerenses que combina en sus obras buenas dosis de ágil y mordaz escritura con una sutil dirección de actores.
• ¿Qué es Timbre Cuatro?
Es un espacio muy chiquitito del fondo de una casa que poco a poco fuimos transformando en teatro. La idea era crear un espacio donde desarrollar nuestra vocación teatral. Así surgió “La Familia Coleman” y la mayoría con los actores fundacionales de la compañía. Se inauguró durante el corralito, época en la cual se hicieron muchas salas independientes en casas, garajes, sótanos… En cualquier lado se abría un espacio…
• En ese ambiente tan fértil, cuando era casi un niño llegó a trabajar con Alejandra Boero, una de las grandes fundadoras del teatro independiente en Buenos Aires.
De chico estudié con ella porque era un enfermo del teatro, era mi única forma de relacionarme con el mundo porque yo era muy tímido. Un nenito pelirrojo, flaquito que miraba a escondidas el escenario cuando estaba la puerta abierta… ¡Al final me puso de asistente de dirección con quince años!
• Sus personajes son tan reales que muchas veces uno parece no darse cuenta de que están siendo interpretados por un actor…
En la composición de los personajes busco que nunca esté la actuación por delante del personaje mismo... Nada tiene que estar por delante de nada. Ni el texto por delante de la puesta en escena, ni la escenografía por delante de los actores... Lo bueno es tratar de que esté todo tan bien que no te des cuenta de cómo te llevaron por ese viaje. Esa es la búsqueda.
• Antes de dar el salto a los grandes teatros del mundo ya eran muy conocidos en Buenos Aires.
Por suerte contamos en Buenos Aires con un público muy asiduo al teatro independiente que a veces en proporción va más al teatro independiente que al teatro comercial. Las salas chicas se llenan y la gente va a salas rarísimas a ver a gente que no conocen. Eso es algo que heredamos de décadas y décadas de teatro con propuestas totalmente distintas.
• ¿Por qué tantos estudiantes de psicología van a ver sus espectáculos?
(Risas) Yo particularmente nunca me psicoanalicé ni soy un experto en eso. Entre los psicólogos se producen grandes debates sobre si somos lacanianos o pichon bribière… En mi opinión sólo es sentido común. ¿Qué pasa si te pones a pensar en el mundo que hay detrás de cada persona que te cruzas? Un mundo de dolor, amor, de comidas y de abuelas.
• Pensando en la situación económica actual, ¿cómo se enfrenta el teatro con la realidad?
Es una forma de resistencia. Mi forma de generar futuro, esperanza, hablar de lo que me preocupa y de comunicarme con los demás es el teatro. Eso no quita que no pueda ir a protestar a la calle cuando no estoy de acuerdo con una cosa. Por suerte el teatro me lo permite: con dos sillas y cuatro que se sienten a mirarnos. Creo que el teatro crece en las crisis porque es un lugar para encontrarse con lo vivo, con los sentimientos, para comunicarse y ayudarse a pensar.
• ¿Cuál es su dramaturgo favorito?
Chéjov y Beckett, los dos juntos. Chéjov es una locura, no se puede creer que haya sido tan humano, tan brillante para escribir universos tan complejos. Y Beckett… Hablan de lo mismo. Entre el Moscú de “Las Tres Hermanas” y el “Esperando a Godot” tan solo hay unas cuadras de distancia.
• ¿Qué proyectos futuros puede avanzarnos?
Seguimos dando clase y en mayo del año que viene abrimos un local más grande en una antigua fábrica de sillas. Actualmente estoy escribiendo una nueva obra para Timbre 4. Me encuentro en la parte angustiosa de la página en blanco...
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Magüi Mira | Descargar PDF
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| La marquesa de O | |||
| Noviembre 2009 | |||
Nacida en 1944 en Valencia, esta gran actriz y directora lleva más de 25 años subida a las tablas. Ha trabajado con directores de la talla de Lluis Pasqual, Miguel Narros, William Leyton o Pilar Miró.
También se ha puesto al frente de la dirección de montajes como “Top Girls” o “El Perro del Hortelano”. Ahora dirige este montaje basado en la intensa novela corta de Heinrich von Kleist.
• ¿Cómo ha sido la adaptación de la novela corta inicial al teatro?
El cuento es concreto, fuerte, está lleno de ironía, con unos personajes definidos y con momentos muy dialogados. Emilio Hernández ha hecho una excelente versión para la escena muy fiel al cuento, conservando todo el texto original posible y sin dejar escapar el humor con el que Vont Kleist cuenta la historia.
• ¿Qué queda del romanticismo y lo trágico de Kleist?
Kleist fue un precursor del romanticismo, un preromántico, intentó huir de las rígidas convenciones del racionalismo del dieciocho. Lo intentó en su vida y en su obra. En “La Marquesa de O” nos habla de deseos imposibles que traspasan la lógica de la razón. Sólo la Virgen María y la Marquesa de O, como él mismo dice, se quedaron encinta sin poderse explicar cómo.
• ¿Se trata, para usted, de una obra actual?
La insatisfacción y la infelicidad que nos produce el no conseguir lo que deseamos, está a la vuelta de cada esquina.
• La protagonista es una mujer trasgresora, ¿a quién sería comparable actualmente?
A todas las mujeres que pelean por no perder su dignidad. Por no aceptar una doble moral que sólo lleva a situaciones insostenibles.
• Háblenos de la escenografía.
Una representación teatral es un rito que sucede en un único espacio que comparten actores y público y que a mí me gusta poblar con los mínimos elementos esenciales para contar la historia. Sólo quiero potenciar la fuerza de los actores y su comunicación con el público.
• Ha trabajado con directores de la talla de Leyton, Lluis Pasqual, Carlos Plaza... ¿A qué directores admira más teatralmente?
Dirigir es saber contar una historia, fascinar, golpear el pensamiento y las emociones del espectador, tener el oficio suficiente, el talento para crear un nuevo lenguaje escénico, la fuerza para convencer a actores y creadores, la resistencia física suficiente para sobrevivir... He tenido la suerte de trabajar y aprender con grandes maestros .
• Estudió filosofía, ¿qué subyace de esta disciplina en su dirección?
La filosofía es una conversación permanente con la vida que está en cada pasito que damos…
• ¿Qué obra le encantaría dirigir?
“La Marquesa de O”, estoy en ello.
• Si no se hubiera dedicado al teatro, ¿a qué se habría dedicado profesionalmente en su vida?
A escribir, es un deseo que todavía no he abandonado.
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Adrián Lastra | Descargar PDF
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| 40. El musical | |||
| Noviembre 2009 | |||
• ¿Quién es Joaquín?
Es un chaval que estudió Periodismo y se dedica a hacer un radioblog desde su casa. Desde ahí va contando como ve él la vida y la de sus amigos. Se dedica a destripar las situaciones que vive su pandilla y, aunque lo hace desde la bondad, eso trae consecuencias. Es bastante maduro, tierno y también hace un poco de psicólogo de sus amigos porque se mantiene fuerte en los momentos duros.
• ¿Qué temas trata este musical?
Relata los temas humanos, las situaciones que hay en la calle, que son perfectamente reconocibles por todos.
• ¿Qué es lo que más le llena de trabajar en un musical?
Sobre todo trabajar en vivo, poder cantar y bailar e interpretar las canciones y los bailes desde el personaje, es decir, que puedo hacer todo eso como lo haría Joaquín (en este caso) no como Adrián Lastra.
• Ha trabajado en numerosos musicales. En “Hoy no me puedo levantar” se regresaba a la música de los 80 a través de los temas de Mecano. ¿Qúe música se puede escuchar en este espectáculo?
Se hace un repaso musical de varios años, concretamente desde los 60 hasta la actualidad. Es un homenaje a la gente, a sus vidas y a la música que les ha acompañado en ellas.
• ¿Que canción le ha marcado en su vida profesional o personal?
Una canción que me marcó desde la tristeza por un momento malo de mi vida fue “Big Big World” de Emilia. Cada vez que la escucho me hace volver al pasado de una forma espectacular.
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Susan Martín | Descargar PDF
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| 40. El musical | |||
| Noviembre 2009 | |||
• Háblenos de su personaje.
Yo la describo como “la chica de la película” por la que se pelean dos hermanos. Es un personaje complicado para un musical porque tiene mucho conflicto interno y es muy reflexivo a la hora de hablar y eso, en un musical donde todo es acción, cuesta encajarlo. Es un reto.
• ¿Qué tipo de música es la que más le gusta o la que más escucha?
Yo me fui a Estados Unidos precisamente porque me gusta la música negra, el funk, el soul... Cuando era pequeña, con 14 años, vi a Michael Jackson bailar y dije “yo quiero hacer eso”. Pero también me gusta la música española, por ejemplo Alejandro Sanz porque tiene letras muy emotivas y tiene un arte tremendo para casar la letra con la música.
• Cuando comenzó en esto de los musicales lo hizo como pianista y tocando el saxofón. Luego comenzó a interpretar como protagonista. ¿Con qué faceta se queda?
Yo soy músico de profesión. Tengo una banda y damos conciertos, canto y toco el piano porque eso es lo que llevo en el corazón. Pero ahora que me estoy subiendo a los escenarios, hago escenas con los compañeros y actúo para la gente estoy disfrutando mucho y aprendiendo de todo. Es una experiencia con la que estoy encantada.
• ¿Cómo fueron los castings para este musical?
Tuvimos que cantar y hacer escenas. Por algún motivo desconocido para mí fue uno de los castings más fáciles, quiero decir, que salí con una sensación interna de tranquilidad, algo que nunca suele pasar. Salía de los castings y pensaba “lo he hecho bien, me ha gustado”, pero al llegar a casa me decía a mí misma que no me podía emocionar porque tienes que estar acostumbrada en esta profesión a recibir ochenta noes hasta que llega el sí.
• ¿Qué es lo que espera del público cada noche?
Al igual que mis compañeros deseo que la gente se sienta identificada con las historias que hay de cada personaje, que vivan ese viaje personal que hace cada uno de los protagonistas y, por supuesto, que lo pasen bien con la música y las canciones.
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